Obtenir une image vraiment photoréaliste est un exercice précis, car le problème n'est pas le manque de qualité — les modèles génèrent des images très propres — mais un excès de perfection. Une photo réelle comporte des imperfections que notre œil attend inconsciemment : une lumière directionnelle avec de vraies ombres, une profondeur de champ (tout n'est pas net), du grain, de légers défauts optiques, des textures irrégulières, une peau qui n'est pas lisse. Le paradoxe du photoréalisme est donc qu'il s'obtient en ajoutant des imperfections, pas en demandant « ultra réaliste, 8K, haute qualité » — ces mots-clés, hérités des premières générations de modèles, sont aujourd'hui souvent inutiles voire contre-productifs (ils poussent vers un rendu publicitaire lisse).

La recette concrète tient en quatre ingrédients. 1) L'ancrage photographique : indiquez le medium et la technique (photograph, documentary photography, film photography, 35mm film, Kodak Portra), un objectif et une ouverture (section 3.2), éventuellement un grain (film grain). 2) La lumière réaliste (section 3.1) : directionnelle, avec des ombres assumées, une dominante colorée, éventuellement imparfaite (contre-jour, lumière d'intérieur mêlée). 3) Les textures : demandez explicitement skin texture, pores, fabric texture, weathered, imperfections — c'est ce qui casse l'effet plastique, en particulier sur les visages. 4) La modération du style : baissez --stylize (section 2.2) pour brider l'embellissement automatique. Deux points de vigilance demeurent : les mains et les textes restent les faiblesses les plus visibles (mieux vaut cadrer pour les éviter, ou retoucher — sections 4.1 et 4.4), et la question éthique est ici particulièrement sensible : plus une image est réaliste, plus elle peut tromper — d'où l'importance du signalement et de la traçabilité (section 5.5).